Сценарий лекции-концерта "Классика - это классно!"

«Классика – это классно!»

Добрый день! Мы рады видеть Вас сегодня в зале музыкальной школы! Тема нашего концерта звучит так: «Классика – это классно?». В конце этой фразы я ставлю знак вопроса. А по окончании нашего концерта, право выбора знака препинания я предоставлю вам, нашим замечательным слушателям.

А известно ли Вам, что до недавнего времени люди не делали различий между популярной и классической музыкой? Они ходили на премьеры симфоний, концертов и опер точно так же, как мы посещаем сегодня рок-концерты и прочие фестивали. Они радовались, созерцая своих кумиров и вслушиваясь в любимые мелодии. Классическая музыка была интересной и понятной. Нельзя было считать себя образованным человеком, не зная классики. Ведь классика – это значит образец!

Итак, я предлагаю совершить Вам небольшое занятное путешествие по карте мировой классики. И начнём мы его с Италии, страныс величайшим культурным, историческим и художественным наследием. Италия – колыбель одной из величайших империй в истории человечества и эпохи Возрождения. Именно там родился и творил знаменитый Антонио Вивальди, скрипач-виртуоз, священник и композитор, автор более четырёхсот концертов для струнных инструментов. К сожалению, жизнь композитор закончил в нищете, его сочинения были забыты и утеряны, пока однажды, 200 лет спустя, их не нашли в одном из монастырей Италии. Среди них были известные всем концерты «Времена года».

А.Вивальди Концерт

Классиками называют лучших композиторов прошлого. Классическое произведение – это произведение, написанное в прежние времена, но продолжающие жить сегодня. Автор следующего произведения – немецкий композитор И.С. Бах, живший в одно время с А. Вивальди. Интересно, что в Германии слова «Бах» и «музыкант» в течение нескольких столетий были синонимами. Однако лишь в пятом поколении «из их среды... вышел человек, чьё славное искусство излучало столь яркий свет, что и на них пал отблеск этого сияния. То был Иоганн Себастьян Бах, краса и гордость фамилии и отечества, человек, которому, как никому другому, покровительствовало само Искусство Музыки». Так писал о нём в 19 в. И. Форкель — первый биограф и один из первых истинных ценителей композитора.

Характерная для эпохи Барокко (дословно с итал. – вычурный, причудливый) экспрессия, синтез различных видов искусства, конечно, обособили всплеск развития инструментальной музыки. Но тяготение к вокальным жанрам всё же осталось. Кто бы мог подумать? Даже среди таких серьёзных и сложных произведений Баха, как инвенции и фуги, есть пьеса под названием «Шутка», есть фуга, подражающая кудахтанью курицы, есть «Кофейная кантата», воспевающая душистый напиток кофе. А есть просто и светлые по характеру сочинения.

И.С. Бах «Жизнь хороша»

Аве Мария… самая популярная молитва, слова которой положены композиторами почти на 50 разных мелодий в разные времена. Увлекательна история создания Аве Марии И.С. Баха в соавторстве с Шарлем Гуно. Молодой французский композитор в 1852 году частенько захаживал в дом известного французского пианиста – Пьера Циммермана. Гуно ухаживал за его дочерью Анной, на которой впоследствии и женился. И вот в один из дней того года, развлекая публику в гостиной, Шарль, играя прелюдию до мажор Баха, решил сымпровизировать. Получилась очень удачная дорисовка к уже известной прелюдии. Импровизация очень всем понравилась, а будущий Пьер Циммерман так вдохновился ею, что попросил Гуно переложить эту импровизацию на бумагу. Так появился один из красивейших вариантов молитвы Аве Мария. Разве мог Гуно предположить, что прямо сейчас под его пальцами рождается один из шедевров классической музыки?

И.С. Бах-Ш.Гуно «Аве Мария»

Предлагаю Вам познакомиться ещё с одним представителем эпохи Барокко – итальянским композитором и вокальным педагогом Никола Порпора.Но если имя Баха хоть немного знакомо каждому человеку, то имя Порпора, который Баху ничуть не уступает, к сожалению известно лишь единицам. Объясняется это отчасти витиеватостью стиля Порпора, а отчасти и тем, что когда музыка в Германии стала стремительно развиваться и расти в 19 веке, на фоне немецких гениев прежние итальянские мастера оказались в тени. В отличие от Баха, никогда не писавшего оперы, Порпора является автором более 50 сочинений в этом жанре, а также автором инструментальных сочинений.

Н.Порпора «Хоровод»

Было время, когда мужчины и женщины носили напудренные парики, накрахмаленные воротнички и манжеты из кружев, носовые платки. Музыка того времени была изящной и милой. Именно такую музыку играл в детстве маленький вундеркинд, настоящий чудо-ребёнок, Вольфганг Амадей Моцарт. Его биография окутана тайнами и постоянно анализируется и обсуждается различными сообществами в разных уголках планеты. Чего только стоит книга «МОЦАРТ. ХРОНИКА ПОСЛЕДНИХ ЛЕТ ЖИЗНИ И СМЕРТЬ», наделавшая много шума в кругах «моцартоведов». Но сама музыка композитора навсегда сохранила некоторую детскую наивность и игривость, что было свойственно самому композитору на протяжении всей жизни.

В.А.Моцарт «Аллегретто» в джазовой обработке

Музыкальная Европа ещё была полна слухами о гениальном чудо-ребёнке — В. А. Моцарте, когда в Германии, Бонне, в семье тенориста придворной капеллы родился мальчик, ставший также представителем венского классицизма. Отец хотел, чтобы он стал «вторым Моцартом», и заставлял сына упражняться даже по ночам. Вундеркиндом, увы, мальчик не стал, однако довольно рано обнаружил композиторское дарование. Утверждают, что в 17 лет он посетил Вену и познакомился со своим кумиром, Моцартом, который, прослушав импровизацию юноши, сказал: «Обратите на него внимание; он когда-нибудь заставит мир говорить о себе». Стать учеником Моцарта ему не удалось. На долю этого великого композитора выпало много переживаний – это и несчастная любовь, и тяжёлая болезнь, ведь карьера пианиста – виртуоза сошла на «нет» из-за поразившей его глухоты. Я думаю, вы догадались, что речь идёт о великолепном Бетховене, композиторе, в чьих сочиненияхнашёл самое полное и окончательное воплощение стиль венского классицизма с его верой в разум и справедливость, выраженной как движение «через страдание — к радости».

Л.В. Бетховен фрагмент Симфонии №7 (II ч.)

Смена эпох и стилей всегда проходила несколько противоречиво. Так было и с переходом от Классицизма к Романтизму. Эволюция музыкального языка сталкивала две противоположные тенденции – с одной стороны, сохранение классицистских канонов и, с другой, их непременное изменение. И это открывало новые пути в развитии. Тенденция к психологизации музыкального языка, углубление в духовную сторону человека – всё это породило к возникновению более камерных, скажем так, «компактных», жанров. Жанр инструментальной миниатюры выходит на первый план. И здесь невозможно не упомянуть имя известного польского композитора – Фридерика Шопена. Полонезы, мазурки, вальсы и ноктюрны были его первыми композиторскими опытами.

Ноктюрн — характерный жанр романтической музыки, разновидность лирической миниатюры — отличается своей оригинальной тематикой. Само слово означает «ночной». Предельно выразительные, они звучат как естественно льющаяся песня, как живой человеческий голос. 

Ф. Шопен Ноктюрн до# минор

В начале 19 века получает широкую известность вальс как бытовой танец. В творчестве Шопена вальс представляет собой сольную фортепианную пьесу, в которой бытовые корни этого жанра мягко стушёвываются. Вальс становится концертной пьесой, изящной и блестящей. В них Шопен мастерски использует весь свой арсенал современной техники и виртуозного пианизма. Из 17 вальсов, написанных Шопеном, только один так и не получил должной популярности за жизнь композитора, но стал настоящим сокровищем для меломанов в наше время. Это вальс ля минор, получивший название как «Забытый вальс».

Впервые написанный в 1830 году, он был представлен на публичном концерте в Варшаве и сразу же покорил слушателей своей очаровательной мелодией и неповторимым стилем Шопена. Однако, несмотря на успех, «Забытый вальс» почему-то не был опубликован в то время. Он довольно быстро исчез из публичного восприятия и стал доступен только для узкого круга знатоков музыки. Почти столетие спустя, в 50-х годах 20 века, музыкологам удалось обнаружить ноты вальса Шопена. Они с энтузиазмом восстановили это сочинение и позже его выпустили на звукозапись.

Ф. Шопен «Забытый вальс»

А сейчас мы с Вами обратимся к русской композиторской школе. Конечно, для Вас в первую очередь вспомнятся имена Михаила Ивановича Глинки или Петра Ильича Чайковского. Но когда речь заходит об Александре Сергеевиче Даргомыжском, его имя всегда, как правило, сопоставляют с именем Глинки. Даргомыжский был моложе Глинки всего на девять лет. Оба – современники Пушкина, испытавшие могучее воздействие его поэзии. Но какое же место в истории русской музыки занимает Даргомыжский?

С одной стороны, композитор продолжил линию своего старшего современника М.И. Глинки, с другой открыл неисчерпаемые музыкально-драматические возможности вокальных жанров, создав целый ряд сочинений, в которых отразились новые демократические тенденции времени. Он первый из русских композиторов задался особой целью выразить в музыке именно содержание слова. В процессе создания своих романсов и песен, композитор очень тесно общался с исполнителями.

В своём стремлении к максимальной выразительности музыки романса, к её максимальному соответствию тексту и настроению, со всеми их изменениями, композитор даже делал в нотах над отдельными словами пометки для исполнителей вокалистов, такие как: «вздохнув», «очень скромно», «прищурив глаз», «улыбаясь», «запинаясь», «с полным уважением» и тому подобные.

История создания песни «Что мне до песен» началась, когда Даргомыжский услышал балладу в исполнении своего друга, поэта Константина Васильева. Вдохновлённый этой мелодией, он решил написать собственную песню, которая была бы ещё более запоминающейся и эмоциональной. Он провел несколько месяцев за работой и, когда песня была окончательно готова, композитор представил её публике на одном из своих концертов. Песня немедленно получила восторженные отзывы и стала хитом среди слушателей.

С тех пор она стала неотъемлемой частью российской музыкальной культуры и исполняется на различных концертах и мероприятиях.

А.С. Даргомыжский «Что мне до песен»

Модест Петрович Мусоргский — один из самых дерзновенных новаторов XIX столетия, гениальный композитор, далеко опередивший своё время и оказавший огромное влияние на развитие русского и европейского музыкального искусства. Он жил в эпоху высочайшего духовного подъёма. Родители композитора хотели, чтобы мальчик стал военным, но с детства поощряли его любовь к музыке. Первым опубликованным музыкальным произведением Мусоргского стала небольшая полька под названием “Подпрапорщик”. Позже добровольно покинув военную службу, он посвятил себя музыке. Когда он сочинял , то никогда не делал черновиков или набросков. Вместо этого Модест Петрович подолгу думал над каждым произведением, до тех пор, пока у него в голове не формировался его окончательный образ, после чего писал его целиком. Композитор всегда относился ко всему народному и крестьянскому с особенной любовью, а простого русского мужика считал за настоящего человека.И даже если он создал такие серьёзные оперы, как «Борис Годунов», «Хованщина», в его творчестве всегда оставалось место юмору.

М.П. Мусоргский Гопак из оперы «Сорочинская ярмарка»

Александр Бородин. Имя этого выдающегося человека хорошо известно во всём мире. В научной среде он признан как выдающийся учёный-химик, а любители классической музыки почитают его как талантливого композитора. Среди сочинений Александра Порфирьевича Бородина следует особо выделить оперу «Князь Игорь» - произведение, которое, воспевая беззаветную любовь к родине и верность, завоевало особое признание публики. Идея создания этой оперы принадлежит другу композитора, историку искусств и критику – Владимиру Васильевичу Стасову. За основу Стасов предложил взять исторический шедевр «Слово о полку Игореве». Эта древнейшая летопись повествовала о походе, совершённом в 1185 году против половцев новгород-северским князем Игорем Святославичем.

Хор «Улетай на крыльях ветра» открывает балетно-хоровую композицию «Половецкие пляски», завершающую второй акт оперы «Князь Игорь». Эта яркая сцена приобрела такую популярность у публики, что в настоящее время она довольно часто с успехом исполняется как самостоятельный хореографический номер. Он длится 15 минут и воспринимается как небольшой балетный спектакль.

Стоит заметить, что музыкальная тема хора «Улетай на крыльях ветра» Александра Бородина сегодня весьма востребована исполнителями разных современных музыкальных направлений. Её можно услышать в композициях таких исполнителей как Хулио Иглесиас, джазмен Арти Шоу, рэппер Уоррен Джи, и даже российской рок - группы «Ария».

А.П. Бородин «Улетай на крыльях ветра»

Имя Николая Андреевича Римского-Корсакова ассоциируется у широкой публики с чудесными сказочными операми и красочными симфоническими полотнами. Романсы его известны гораздо меньше. В его романсах мы не услышим пламенных страстей или театральности, даже лирические излияния отличаются эмоциональной уравновешенностью и сдержанностью. На первый план выходит живописность и пейзажность. При создании романсов композитор использует новый для него метод: мелодия должна следовать изгибам текста, но при этом оставаться «чисто вокальною».

Поэтичнейший романс «Не ветер, вея с высоты» (на слова А.Толстого) – это тонкая акварельная пейзажная картина, лишь на миг разбуженная внезапно налетевшим вихрем. В этом романсе чарующие образы живописи слиты с человеческими чувствами в единое целое.

Н.А. Римский-Корсаков (сл. А.Толстого) «Не ветер вея с высоты»

Произведение ГеоргияСвиридова «Метель» является одной из жемчужин классической музыки. В 1964 году к Свиридову обратился известный артист и кинорежиссёр Владимир Басов, приступавший к съемкам кинофильма «Метель» по пушкинской повести. «Метель» представляет собой, в сущности, анекдот о провинциальной семнадцатилетней девице, Марье Гавриловне, которая решила бежать из дома, чтобы тайно обвенчаться со своим бедным и потому неприемлемым для родителей избранником, и о том, как метель вмешалась в планы влюблённых и в результате полностью изменила судьбы трёх человек.

Что привлекло Свиридова взяться за работу? Идея воссоздания образа провинциальной России – поэтизация простой жизни маленьких городков и усадеб, а не столичных чиновников и аристократов. Поэтому композитор использовал интонации, бытовавшие в начале XIX века: вальс, марш, романс, перезвон бубенцов, всегда висевших на дугах ямщицких лошадей. 

В сюиту входит девять номеров, которые, в сущности, являются яркими иллюстрациями к повести Пушкина. Шестой номер имеет название «Военный марш». Что изображает нам композитор? Это юмор, жизнерадостность и бесшабашность молодости. Именно так принято было приветствовать победителей. Не секрет, что появление в небольших городках офицера, всегда было настоящим торжеством и его встречали всегда соответственно.

Г.В. Свиридов «Военный марш» (из музыкальных иллюстраций к повести «Метель» А.С. Пушкина)

Закончим наш концерт выступлением педагогического ансамбля, который исполнит для Вас две яркие композиции – I часть «Маленькой серенады» Моцарта и «Венгерский танец» Брамса.

О создании «Маленькой серенады» до сих пор спорят музыковеды и биографы Моцарта. Одни считают, что она была заказана каким-то известным вельможей. Другие же утверждают, что это сочинение было подарено любимой жене Моцарта - Констанце в день 5-летия со дня Свадьбы. Само слово серенада переводится с итальянского как «вечер». Это романс, который исполняет влюблённый под балконом возлюбленной, аккомпанируя себе на гитаре или лютне.

После смерти композитора Констанца продала её вместе с массой других работ издательству, которое опубликовало ноты значительно позже. Выяснилось, что исчезла 5 часть, и куда – невозможно даже предположить. Похоже, что «Маленькая ночная серенада» - ещё одна загадка, которую оставил маэстро своим поклонникам.

Оригинальная рукопись Моцарта долгое время находилась у частного коллекционера Карла Воттерля. После войны он продал ее за 50000$. На вырученные деньги он открыл издательство, которое впоследствии прогорело. После обретения, он снова был утерян на некоторое время. По последнему сообщению газеты «Die Welt» от 6 мая 2006 года, рукопись хранится в закрытой коллекции в Базеле (Германия).

«Венгерский танец» немецкого композитора Иоганнеса Брамса входит в сборник музыкальный произведений, состоящий из 4х тетрадей. Сама идея создания возникла во время совместных гастролей с талантливым венгерским скрипачом Эдде Ременьи. Поездка оставила бесчисленное количество тёплых воспоминаний и спустя 16 лет композитор запишет первые десять танцев для фортепиано в четыре руки, а через год будут готовы еще 11 композиций. Добавлю, что «Венгерские танцы» оказали значительное влияние на развитие рэгтайма и американской музыки в целом. Сильное впечатление от прослушивания сочинений было оказано на Скотта Джоплина, который высоко оценивал творчество Брамса.

В.А. Моцарт «Маленькая серенада» I ч., И. Брамс «Венгерский танец»